明畫廊欣然宣布呈獻旅美中國當代剪紙藝術家宋昕《暗流》個展，展覽展出藝術家《靜物》系列、《水浪》系列與《腦電波》系列作品，當中多件作品為首次於香港展出。《暗流》展覽集結藝術家剪紙拼貼與複合媒體作品，展現其二十餘年開創性藝術實踐的核心體現。展期由2026年6月11日至7月4日。

《靜物#01A》，聚酯薄膜、剪紙綜合材料、雜誌拼貼，直徑91.5cm，2022。

《靜物》系列以花卉跨文化母題為核心，藝術家並非以自然主義式再現為焦點，而是探討圖像如何在時間與文化層疊中被不斷建構、轉譯與重寫。藝術家指出，花卉靜物於東方視覺中象徵繁榮、吉祥與生命循環；而在西方藝術史中，靜物則更多關聯於時間性（vanitas）、物質慾望以及“觀看如何被建構”的問題。儘管兩種傳統共享相似的視覺對象，其內在文化心理結構與價值體系卻存在顯著分歧。對宋昕而言，這種“相似中的差異”持續生成一種張力，它不僅指向文化混合的狀態，也揭示出觀看方式本身的分裂——圖像在不同語境中如何被理解為秩序、象徵或無常。

《靜物系列#D》，聚酯薄膜、手工縫製、剪紙綜合材料、織物拼貼，直徑61cm，2024。

《靜物系列#01》，綜合材料、水彩、照片剪紙拼貼，81.3 x 61cm，2024。

藝術家使用不同時代的印刷雜誌，將其拆解並重組為花卉結構。這些圖像曾經嵌入資訊傳播、消費文化與視覺意識形態的系統之中，攜帶明確的時代情緒與文化指向。宋昕認為當這些圖像被剝離原有語境之後，意義開始鬆動，從“傳遞資訊的圖像”轉化為“視覺記憶的殘片”。透過拼貼，藝術家重新組織這些碎片，使圖像不再作為資訊載體，而成為時間沉積與文化欲望的活性場域。

《怒放生命》，布面剪紙綜合材料、雜誌、照片拼貼，91.5 x 91.5 cm，2018。

與此同時，藝術家持續進行的街頭攝影作為“當下影像”進入作品，與印刷圖像形成並置。這種並置並非單純的時間對照，而是不同時間機制的碰撞：一種是已被歷史穩定的圖像系統，另一種是仍在生成中的即時經驗。這種關係打破線性時間結構，使觀看進入一個多層疊加的不穩定場域。在這一過程中，藝術家越來越關注圖像轉化與人的觀看結構之間的關係。傳統靜物依賴一種相對穩定的觀看方式：圖像被理解為秩序、象徵與反思的容器；而當代視覺文化則被碎片化、加速化以及演算法機制所塑造，圖像不再是意義的終點，而成為持續消費與再生產的過程本身。

《靜物系列#02》，綜合材料、水彩、照片剪紙拼貼，81.3 x 61cm，2024。

在方法上，宋昕將中國傳統剪紙轉化為一種結構性語言。“切割”不再是裝飾性手法，而是對圖像邊界與意義邊界的介入；“連接”則在碎片之間建立臨時性的關係系統，使圖像始終處於生成與消解之間的狀態。

藝術家認為這一系列並非對靜物傳統的延續，而是一種對其進行“再編碼”的實踐。宋昕將花卉從象徵性圖像或繪畫對象中抽離，使其成為一個關於時間結構、媒介轉型與文化心理機制交織的場域。傳統與當代、東方與西方、穩定與流動不斷交錯，圖像不再是固定的意義容器，而成為一個持續生成、持續被重新觀看的感知系統。

《水浪系列13》，剪紙、綜合材料紙拼貼，41 x 50cm，2019。

在《水浪》系列中，宋昕以豐富多樣的紙本材料構築出不斷生成的形態，讓水的流動性與韌性在平面中顯現。這個系列源於藝術家對“水”這一元素長期的迷戀——它所具有的包容性與轉化力，使其能夠接納、消融並重塑一切形態。藝術家借鑒道家思想與陰陽宇宙觀，“水”被視為五行中最具“陰性”的存在。作品以黑色起伏的切割作為結構基礎，試圖喚起不可見的能量暗流。層疊的紙面形態在流動中彼此交融，形成既無形又完整的結構，在不斷的變化中放棄對抗，轉向順應“流”。

在宋昕的創作中，“水”不僅是哲學隱喻，也成為思考自然、身體與權力結構關係的方式。從生態女性主義的視角來看，對自然的支配與對女性的歷史性壓制，往往源自相似的結構機制。在這一語境中，“水”作為傳統上與女性相關聯的元素——象徵直覺、關懷與循環性的再生力量——作品中同時呈現出脆弱性與韌性。藝術家透過紙的碎片、層疊與重組，回應自然系統中不斷生成與修復的過程，並試圖想像人類與環境之間另一種更為共生的關係。

“我們身體中有一半以上是水。”藝術家曾這樣反思：“正如在一滴水中可以窺見整個海洋的秘密，我們的思想與存在亦彼此相連、不斷變化，並最終回歸整體。”因此，“W”的字母開頭，藝術家看成冥想的節點：它既指向水（water）、波（wave）與驚奇（wonder），也隱含女性（woman）的存在——身體的節律與地球的節律始終共享同一脈動。每一件作品都邀請觀者進入自身的流動之中，感知人類生命與地球系統之間那種脆弱而複雜的聯結。

《水浪系列14》，剪紙、綜合材料紙拼貼，41 x 50cm，2019。

於全球疫情期間，藝術家自《水浪》系列延伸《腦電波》系列作品，運用多年創作累積下來的餘料，包括中文書法殘片、木版與網版印刷碎料，以及精緻的一次性紙墊，將這些素材拼貼於沉鬱低垂的頭部輪廓之內。畫面傳達出備受壓抑、彷彿被洪流吞沒的狀態，如同深陷思緒的風暴之中。每一塊碎片皆如意識斷裂的音節，記錄著集體心靈的失序：滿溢的焦慮、孤獨，以及全球危機之下的道德倦怠。此系列作品將水的流動化為思緒的奔湧，斷裂且循環往復，在生態動盪與社會變遷的交錯之間，不斷尋求全新的平衡。

宋昕生於北京，為中國當代剪紙藝術家，現居美國紐約。憑早年跟隨鄉間藝匠學習的經歷，藝術家發展出多元的創作手法，融合攝影、雜誌紙、聚酯薄膜、宣紙及各類紙材，打造大型場域特定裝置作品。藝術家透過垂掛、懸吊、玻璃裱合與光影運用等手法重塑空間，營造層次豐富的視覺與觸感體驗，引導觀眾感受作品的物質本質與內涵意蘊。其創作題材多元，既有經典花卉、風景主題，亦有反映其長居紐約生活的都市景致，在文化傳承與當代都市生活之間展開對話。

藝術家宋昕於紐約大中央車站的公共藝術作品。（圖片來源：宋昕工作室官網）

藝術家宋昕於紐約布魯克林區車站的公共藝術作品。（圖片來源：宋昕工作室官網）

宋昕在紐約市承接多項公共藝術委託創作，其為時尚區百老匯大道廣場打造的《五行》裝置作品，充分體現其將符號意象融入公共空間的創作理念。她的裝置藝術作品亦於布魯克林區D線貝園道地標車站、紐約170K公立學校大廳永久展出；紐約大都會運輸署藝術轉運部亦邀請她為大中央車站百週年慶典創作作品。近年，她與成衣區聯盟、紐約交通局及紐約市政府合作，完成大型作品《新啟程・新希望》。這件作品包含135 盞吊燈，懸掛於百老匯大道第36街至第39街路段，展出長達一年。一系列公共藝術作品，皆體現她希望接觸不同觀眾、將都市空間轉化為藝術與沉思場域的創作理念。

在國際展覽方面，宋昕的作品於國際藝術機構與雙年展展出，重要展覽包括：北京今日美術館、希臘哈尼亞地中海建築中心、成都雙年展、葡萄牙波爾圖蘭帕藝術中心、希臘雷西姆農克里特當代美術館、2017年威尼斯雙年展、2017年美國紐澤西州諾伊斯美術館、2016年紐約史泰登島美術館。她的作品亦曾亮相2014年巴黎羅浮宮、2013年中國美術館、2012年紐約熨斗大廈普羅藝術空間，以及2011年保加利亞索菲亞紙藝雙年展。其作品廣受各地美術館與另類藝術空間收藏及展出，並為她贏得多項藝術獎項。除創作之外，宋昕亦投身藝術教學，先後於紐約州立大學石溪分校、南佛羅里達大學、紐約州立大學奧德韋斯特伯里學院、漢普夏學院、亨特學院及紐約時裝技術學院授課。自2001年起，她持續在各大文化機構與學校開設中國剪紙及皮影工作坊，推廣創作交流與文化互動。透過教學與公共藝術，她持續闡述傳統工藝在當代語境中的蓬勃生命力。縱觀整體創作脈絡，宋昕巧妙結合材料實驗、文化記憶與都市體驗。不論是街頭的臨時吊燈裝置、剪紙裝置，或是教學專案，她的作品皆探討文化傳承、個人身份與城市環境之間的互動關係，使其成為當代剪紙藝術領域中風格獨特、極具創新精神的代表藝術家。（完）